martes, 14 de diciembre de 2010

ART CRUZ








Del 14 al 18  de diciembre de 2010 20:00

Café LORCA

Santa Cruz Bolivia



Prensa   El Deber

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Fuegos ARTE - FICIALES

Fuegos  ARTE - FICIALES

35 Artistas contemporáneos 
Inauguración  8 de Diciembre
Colonia Cuauhtèmoc
Mèxico D.F.




Artistas
Jorge Hauss  Jean Yves Drouineau    Francesca Dalla Ventea    
Diego Decont    Orlando Díaz     Carlos Pez  La Ceiba    Christi Haupt    Jens Kull    Walter Nadler    Luis Ruíz   Ojo por ojo  Rubén Ochoa  Patricia Oliver  Ana Gómez  Israel González    Francisco Hauss Tania Ximena    Marianna Medina  Carlos Pérez Bucio   Kenta Tori    Guillermo Scully  Kayo Tamaishi    Jacob Sandrac    Stevan A  David Eisenberg    Leomar     Sebastián Elías Gómez    Saveuk   Cesar Urrutia  Daniela Canela   Daniel Castillejos    Mauricio Chacón   Omar mañueco

jueves, 11 de noviembre de 2010

Lo mas profundo... ¿LA PIEL? en Santa Cruz, La Paz y Cochabamba















Descargar el libro:   aquì

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domingo, 24 de octubre de 2010

Transcripciòn Local

Transcripciòn Local 
Iquique Chile 

 Del 2  al 26 de Noviembre 2010









Del 2 al 26  de noviembre estará la muestra  de arte contemporáneo denominada TRANSCRIPCION_LOCAL. Toda esta producción se llevó a cabo en el histórico Palacio Astoreca de la ciudad de Iquique en el norte de Chile.

Este proyecto que ha sido financiado por la Municipalidad de Iquique pondrá en escena las obras de 24 artistas
provenientes de Arica, Iquique, Alto Hospicio, Antofagasta, Santiago, Concepción y Temuco, así como también  obras de artistas de  Argentina y Bolivia.

El concepto de TRANSCRIPCION_LOCAL se refiere a las interrogantes encontradas en las traducciones (obras) e interpretaciones (teoría) del arte contemporáneo nacional en contraposición con la creación artística transfronteriza. Por lo demás, esta exposición ofreció 3 ejes de investigación para los artistas visuales invitados: Territorio, Interconexión y Archivo.





Artistas

María Inés Candia (Iquique, Chile), Cintia Clara Romero (Santa Fe, Argentina), Italo Cossia (Arica, Chile), Alejandra Prieto (Santiago, Chile), Jo Muñoz (Iquique, Chile), Alejandra Alarcón (Cochabamba, Bolivia), Cindy Lia (Alto Hospicio, Chile), Rodrigo Lobos (Santiago, Chile), Renato Calderón (Iquique, Chile), Jorge Witwer (Antofagasta, Chile), Raquel Schwartz, (Santa Cruz, Chile), Cristian Calderón (Iquique, Chile), Luis Almendra (Concepción, Chile), Carlos Vargas (Alto Hospicio, Chile), Milena Mollo (Iquique, Chile), Pablo Forero (Bogotá, Colombia), Nicolás Rupcich (Santiago, Chile), Alex Tancara (Alto Hospicio, Chile), Gonzalo Cueto (Temuco, Chile), Fernando Ossandón (Iquique, Chile), Cristián Segura (Tandil, Argentina), Dagmara Wyskiel (Antofagasta, Chile), Gianfranco Foschino (Santiago, Chile) y Pedro Rodríguez (Iquique, Chile)

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Curador



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Los días 29 y 30 de octubre se realizarán seminarios a cargo de Justo Pastor Mellado, Carlos Flores del Pino -director de la Escuela de Cine-, Bernardo Guerrero -sociólogo- y Raquel Schwartz -artista visual y gestora-.










Transcripción_Local

escrito por Rodolfo Andaur   
13 de diciembre de 2010

Still "Copyright", Nicolás Rupcich.
     Situar la realidad de la estructura general de una escena de artes visuales1 y, al mismo tiempo, conectarla con la difusión del arte contemporáneo chileno desde la región de Tarapacá, han formado parte de mi relato para ejecutar el proyecto Transcripcion_Local.

     Transcripcion_Local es un proyecto de arte contemporáneo que fecunda relatos que desarrollan una disposición autónoma del trabajo artístico dentro de ciudades y regiones sin estructuras ni esquemas para la realización de éstas prácticas, así como tampoco para su territorio de investigación. Transcripcion_Local también anexa un relato de la experiencia de difusión artística en otros lugares de Sudamérica con todas sus garantías actuales: museos, galerías, centro de documentación, revistas, entre otros. De esta manera y como primer paso, se reunieron en el archivo del CREAR2 artistas visuales, gestores culturales y críticos pertenecientes a distintas áreas de investigación, los cuales emplazaron, en una mesa redonda, los grandes temas que hoy imperan en el mundo de las artes visuales: creación y difusión. Todo esto trajo consigo un sin fin de interrogantes que dinamizarán acciones con juicios críticos sobre la creación artística actual en nuestro país y en otros países como Perú, Bolivia y Argentina.

      La mayor parte del tiempo, algunos expertos recapitulan antecedentes sobre los procesos de creación artística, pero en este caso, lo que propuse fue considerar una modalidad que establecía la visita a emblemas del territorio (por ejemplo caminata al cementerio de Pisagua), tener en cuenta los rastros de lo que se debe archivar y documentar, la producción de una exposición y, por último, la construcción de redes que nos interconecten con otros países. Ciertamente, las dualidades territorio-artista y lugar-obra quedan establecidas por si solas con el roce de los conceptos: territorio, archivo e interconexión.

"Factor Graso", Fernando Ossandon

      Aquí los artistas visuales han querido reformular parte del lugar donde se intensifica su propia obra. Por esto era oportuno escuchar a Carlos Flores Delpino3con su teoría de los excéntricos y astutos4, e insertar el papel de la transcripción del cine chileno, de los últimos 10 años, en los procesos de creación. Flores Delpino no estaba solo, también formaba parte de esto Justo Pastor Mellado5 y Bernardo Guerrero6. Cada uno de ellos aportaba a la discusión desde sus propias trincheras. Justo Pastor Mellado, quien ha trabajado y analizado las escenas locales en varios lugares de Chile, tuvo que impregnarse con la singularidad de los creadores y su obra en un espacio baldío que ha desestructurado la misma filiación política de sus habitantes y de la misma institución que se encarga de promover y financiar el arte en Chile7. Por otro lado, Bernardo Guerrero ha hecho de sus investigaciones, recopilada en más de una veintena de libros sobre Iquique y su entorno, un archivo que simplifica los procesos de investigación y difusión para insertar una masa crítica que fecunde un accionar autónomo al documento ya sea histórico, sociológico, antropológico o etnográfico. Con esto, el factor archivo es fundamental para incrementar la difusión de las artes visuales y colaborar con proyectos de investigación que establezcan una continuidad de estos mismos procesos.   

Serie "Esto es (algo) Común", Alex Tancara
                                 
      Transcripcion_Local ha seducido como interpelación e investigación tanto a la obra (traducción) como a su análisis (interpretación) y específicamente ha poseído la facultad de no delimitar la creación artística, sino más bien invocar al artista para que construya su visualidad en torno a territorio y lugar. Pero, el territorio y lugar deben estar separados del accionar creativo y búsqueda del concepto general de obra de arte ya que sus dinámicas se establecen dentro de conectores que construyen y elaboran el arte contemporáneo en zonas donde las estructuras para su posible difusión no han estado presentes o, en un futuro cercano tampoco formarán parte de un discurso independiente.

       Es gravitante que los artistas identifiquen a través de una experiencia empírica cuál es el territorio y dónde esta el lugar. En este sentido, para concluir o no una transcripcion_local los artistas Alejandra Alarcón, Cristián Segura, Rodrigo Lobos, Alejandra Prieto, Nicolás Rupcich, Carlos Vargas, Cintia Clara Romero, Cristián Calderón, Pablo Forero, Raquel Schwartz, Luis Almendra, Italo Cossio, Fernando Ossandon, Cindy-Lia, Renato Calderón, Dagmara Wyskiel, Gianfranco Foschino, Milena Mollo, Gonzalo Cueto, Pedro Rodríguez, Jo Muñoz y Jorge Wittwer han condicionado sus propios procesos de investigación en torno al territorio con el lugar y al artista versus la obra. Por cierto, se ha convenido que su flagrante esquema de difusión provenga del sello mismo de sus ciudades de residencia.

Still "Sulfurico", Italo Cossio

     Otro análisis que trae consigo Transcripcion_Local es la escasa proyección que poseen las acciones (exposiciones, obras, catálogos, etc) de artistas visuales en Santiago y en el resto del país. Al parecer, las estructuras que deberían difundir este ítem lentamente van asemejando las consideraciones que posee un arte estrictamente nacional y uno con ramificaciones de lo local. En este último punto, las regiones han cautivado, con su respectiva vertiente geográfica, una propuesta al desarrollo autónomo y ejecución de proyectos de artes visuales. En el caso de la región de Tarapacá la insipiente interconexión con los países que divulgan el sistema de zona franca (Perú, Bolivia, Argentina, Paraguay y Brasil) ha anexado el tema político-práctico de difusión de las artes visuales. Y así como Chile se inserta a un mercado con estos países, al mismo tiempo, difunde lo que realizan sus creadores, vinculándolos con sus homólogos extranjeros dentro de estas acciones de la trascripción.

     En resumen territorio, archivo e interconexión han fusionado un esquema curatorial que tiene entre sus desafíos difundir la creación artística nacional, establecer y coordinar archivos (llámese a espacios para la exhibición, documentación y difusión del arte contemporáneo) e incrementar las redes de apoyo con nuestros vecinos en cuanto a residencias, seminarios, editorialidad y exposiciones.

"Classic Air", Alejandra Prieto



Referencias:
1 Articulación, operatividad, circulación y contención.
2 Fundación Centro de Estudios de la Realidad del Norte.
Director y Académico de la Escuela de Cine de Chile en la Universidad de Chile. Además es Director de la Licenciatura en Cine Documental de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano.
Flores Delpino, Carlos, Excéntricos y Astutos: influencia de la conciencia y uso progresivo de operaciones materiales en la calidad de cuatro películas chilenas realizadas entre el 2001 y el 2006. Colección Cine 5, Facultad de Artes de la Universidad de Chile.
Curador independiente y crítico de arte.
Sociólogo y Director de la Fundación Crear.
7 Con este punto quiero precisar la singularidad que posee la región de Tarapacá para desarrollar un fomento sustantivo del arte contemporáneo.

mas escritos

sábado, 23 de octubre de 2010

Exposición "Territori del Sud" Nova Milanese ITALIA

Del 9 al 23 de Octubre 2010






Il Bice Bugatti Club, in occasione della Giornata del Contemporaneo, inaugura sabato 9 ottobre 2010 alle ore 11.00 in Villa Vertua (Via Garibaldi 1, Nova Milanese) la mostra “Territori del Sud” (9-23 ottobre) con alcune delle opere partecipanti alla Sezione Internazionale del Premio “Bice Bugatti – Giovanni Segantini” 2009 e 2010.




Prensa  aquí
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domingo, 3 de octubre de 2010

Feria de Arte Contemporáneo CH.aco Santiago CHILE

GALERÍA KIOSKO EN CH.ACO 

SANTIAGO CHILE

24 al 28 de Septiembre 2010





Roberto Unterladstaetter


Alejandra Alarcòn


Raquel Schwartz

Rodrigo Rada

Andres Bedoya

Roberto Valcarcel 


Roberto Unterladstaetter,  Alejandra Alarcòn,  Raquel Schwartz, 
Andres Bedoya, Rodrigo Rada, Roberto Valcarcel




Prensa  DIA SIETE pàg. 59
                aquì  

miércoles, 15 de septiembre de 2010

Entrevista de Kahlo en Dadanoias



KAHLO ENTREVISTA A 

ALEJANDRA ALARCÓN, LA MÁS 


ROJA


Alejandra Alarcón es una de las artistas emergentes bolivianas más potentes del panorama actual, la Caperucita de nuestros días. De acento gore y mirada inocente, su obra nos remite a los cuentos que formaron todo nuestro imaginario infantil, tratando el tema de género y las relaciones humano/animales desde un punto de vista tan violento como reconciliador. Porque ella va más allá de los tópicos y, de acuerdo con Nietzsche, defiende la Barbarie como afirmación de la vida en su imaginario perverso. ¡Veamos qué sucede, sigámosla!

Aquí una pequeña sinospsis de su biografía:

“Alejandra Alarcón nació en la ciudad de Cochabamba, Bolivia, el 4 de Julio 1976. Actualmente vive y trabaja en  México D.F. Hizo la licenciatura en sociología en la Universidad mayor de San Simón , también la licenciatura en artes plásticas en la Escuela Nacional de pintura escultura y grabado La Esmeralda (México D.F.).”

Te descubrí a través de la exposición que realizaste en La Galería Sicart de Barcelona titulada “Fagia”, un proyecto en el que primaba tu interés por el tema de la identidad femenina-masculina. ¿Cómo surgió este interés?

Es un tema que me interesaba desde que estudiaba sociología, lo fui profundizando después en el arte. Me interesa la identidad como un espacio de negociación, donde podemos ser de muchas formas, más allá de los roles, arquetipos, sexo, etc.

¿Conoces la teoría Queer? ¿Qué opinión tienes de ésta?

Sí la conozco, y coincido totalmente con sus postulados. De hecho, eso es justamente lo que me interesa trabajar desde el arte: la identidad como una construcción, un devenir. En mi serie “El Olor del Clan”, estas niñas pulpos (masculinas femeninas) van mutando o construyéndose diferentes formas de ser (ellas se visten con tentáculos, los cortan, cosen uno sólo, los guardan, etc.), ellas definen que de qué forma quieren ser. El límite entre lo femenino y masculino es cada vez mas difuso, creo q es algo que ocurre actualmente en la vida misma.

Creo en la autodesignación de la identidad, en el libre tránsito identitario, en el hecho de que además podamos ir cambiando en el tiempo, somos este devenir masculino femenino, animal humano, etc.
¿Hay algún(a) artista o teórico que te haya influenciado de manera destacada como creadora que eres?

Hay muchos (y por épocas), pero los siguientes son los que definitivamente han influido en mi forma de pensar:Camille Paglia (Sexual PersonaeVamps & tramps), Michel Onfray (Teoría del cuerpo enamorado),Morris Berman (Cuerpo y Espíritu), Fernando Mires (El malestar en la Barbarie), Christian Olivier (Los hijos de Yocasta), Baudrillard.

En tu imaginario artístico vemos la presencia animal, la del pulpo sobretodo, como algo bastante recurrente ¿Qué significado tiene este animal en la obra?

Me interesa profundamente la relación con lo animal como la naturaleza que aún tenemos, pese a toda la cultura. Lo femenino como este carácter demónico de la naturaleza ctónica.

Escogí al pulpo como motivo iconográfico por sus características: textura blanda, mojada, y su fisonomía que alude a los órganos sexuales femeninos (vagina – boca dentada) y masculino (tentáculos). Siento que con el pulpo podía hablar de lo materno castrador femenino y a la vez de lo sexual (femenino masculino).
Tu obra transpira erotismo, ¿cómo definirías este concepto en tu manera de ver el mundo?

Siento que el erotismo en mi obra es asexuado, trasciende los estereotipos femeninos masculinos, humano y animal.
Pienso que uno de los poderes de lo femenino radica en lo erótico .Creo en el poder de seducción femenino.

Las protagonistas de tus cuadros parecen heridas. ¿Consideras que los mitos y cuentos propios de la cultura occidental nos hacen daño al crecer?

En mi obra hay varias protagonistas, heridas y no heridas.

Las que trabajé en la serie de Caperucita la más roja y Cindirella Ending, para mí son heroínas: Caperucita mata al lobo y lo vuelve capita, la de la Princesa y el sapo se come al sapo o lo licua en vez de besarlo, Rapunzel se corta las trenzas para que nadie la rescate, o atrapa a su rescatador amordazándolo en la torre con su cabello. En estas series me interesa invertir, mezclar, yuxtaponer y recomponer la imagen femenina que es planteada en los cuentos y emulada en lo cotidiano inadvertidamente. Las “Caperucitas más rojas” son las que atraviesan el bosque sin miedo, son dueñas de sus instintos, de la naturaleza y sus peligros.
En la serie El Olor del Clan (la de los pulpos), sí están heridas, pero para reconstruirse; cortarse para coserse de otra forma. Se hieren, sin embargo, para ser como ellas quieren y no como les tocó ser. La herida, como un proceso de cambio, como parte de la vida. La cicatrización, el estar dispuesto a ser de otra manera, en piel.
Respecto al las narrativas propias de al cultura occidental y su lado moralizante, creo que hay roles que reproducen un imaginario, en el que las posibilidades de Ser son muy constreñidas. Los mitos son para definir quién es el bueno y quién es el malo. Pero en realidad nosotros somos tan lobos como humanos, tan buenos como malos, tan hombres como mujeres. Caperucita es el lobo y el lobo es Caperucita”. Creo que es necesario cuestionar estos discursos. Me interesa desmantelar la intención civilizatoria racionalista de estos cuentos; me interesa relativizar el bien y el mal, hacer que sus límites sean difusos, ambiguos, ambivalentes. Coincido con Nietzsche en su defensa de la Barbarie, ésta como afirmación de la vida.
Trabajas con acuarelas, una técnica muy suave a la que sin embargo tú le das un sentido muy violento. Creando casi una contradicción gráfica que a muchos nos llamará la atención. ¿Significa esto un acto de pérdida de inocencia o sin embargo quieres mantenerla?

Quiero mantenerla, la inocencia puede ser irreverentemente perversa. La inocencia como un estado no civilizado donde aún se puede decir toda la verdad sin disfrazarla.

¿Cuando estás creando escuchas música? Dinos cinco discos que escuches a menudo y de algún modo te hayan ayudado.

Son muchos pero estos son los de la banda sonora de ahora: Micah P. HinsonMatt Elliott, Nick Drake,Emiliana, TorriniLhasa de la SelaAndrew BirdVicky LeandrosKeren AnnLisa Hannigan,.Agnus and Julia Stone, Mirah.

Acabas de presentar una primera parte de AMORTE, tu nuevo trabajo. Una obra que, como bien nos cuentas en el blog, tiene que ver con el amor y el fin del amor. ¿Para tratar el tema te basas en experiencias propias o intentas basarte en historias universales?

Lo personal es universal. Parto de lo que yo siento, sin embargo, esto no necesariamente es una representación de mis experiencias. Creo que cuando lo trabajo, se vuelve universal en la medida que mi individualidad es universal.

Cuando trabajas sobre el tema de la pareja y su fin, te basas en la existencia de tres personajes ‘él, ella y el conejo’. ¿Qué significado tienen estos tres roles?

No hay un único significado, pero te puedo decir qué veo yo. Yo lo siento como si fueran cierto tipo de relaciones en las que, para mantener el equilibrio, los miembros se desequilibran. Ese conejo herido como los compromisos que hacemos por mantener el equilibrio, lo que dejamos de nosotros mismos para mantener un orden. Estos personajes logran un equilibrio con esta base, con esto que los une, lo que han dejado de sí mismos.

A menudo, los protagonistas de tus obras parecen fusionarse entre sí hasta llegar a una unidad ¿Qué sucede?

En la serie de Caperucita la más roja, ella devora al lobo. En la del sapo y la princesa, ella se come al sapo en vez de besarlo o lo licua. Quizás este devorar sí es violento. Ella es cada vez más el lobo y el lobo cada vez más caperucita. En esta relación se pierde la noción de devorador – devorado, victimizado – víctima. Ambos, en su relación de poder, alternan roles. De la misma manera, caperucita niña – inocencia /con el de mujer – voluptuosa, seductora.



En esta unión violenta o dolorosa me interesan también los fluidos como espacios de indefinición identitarios, lo dionisiaco, las sustancias intermedias que diluyen las fronteras del cuerpo, (quizás esto puede provocar temor a perdernos en el otro).

Es como si tus personajes se reinventasen a partir de lo aprendido. ¿Crees que esto es algo muy propio de las mujeres del siglo XXI o que ha sucedido siempre a lo largo de la historia?

Exacto, mis personajes se reinventan. Asumen todo este proceso en la piel. Eligen de qué manera quieren ser, aunque a veces esto implique cortar, coser, cicatrizar, y volver a cortar…… Yo creo que ha sucedido siempre.

¿Cuáles son tus cinco novelas o poemarios predilectos?

El lugar del cuerpo de Rodrigo HasbúnKafka en la orilla de Haruki MurakamiLa invención de la soledad de Paul AusterLa Ingratitud de Ying Chen y Diarios de Jhon Cheever. (Son muchos más pero estos son los de ahora).

En la segunda parte de tu nuevo trabajo podemos ver ‘Stills’ de un vídeo en el que una mujer se lava las manos de sangre; toda una metáfora. ¿Al realizarlo lo concebiste como una performance? 

En este video, quería denotar un momento muy íntimo en el que una mujer canta suavito una canción (su canción), mientras se lava las manos como un acto propio, de expiación, de acabar con algo para volver a empezar. Quería mostrar este momento de limpiar, insinuando que ella había matado algo, sin explicar bien qué o a quién. El video tiene dos versiones, una en la que se lava y queda limpia, y otra en la que se pone unos guantes de plástico encima de la sangre y lava los guantes. En esta segunda versión no hay canción, es este el acto frenético de tratar de limpiar – ocultar – no asumir algo que tiene dentro.

Este video performance, fue un acto psicomágico de limpiar algo para volver a empezar.
¿Podrías compartir con nosotros cinco películas que te hayan marcado como artista?

En tu obra audiovisual el Folklore y los tópicos femeninos representan la base del concepto de algunos de tus vídeos. ¿Crees que estos dos aspectos de la cultura siempre van ligados?

Sí, creo que estas expresiones (los cuentos infantiles, las telenovelas, los concursos de belleza, las películas, los comics, etc), están cargadas de valores. Son el imaginario a través del cual nos movemos; por eso que me interesa trabajar a partir de ellos, transmutarlos, resignificarlos.

Y para no acabar nunca esta entrevista me gustaría hacerlo bailando. ¿Qué canción ponemos Alejandra?

Leonard Cohen – Dance me to the end of love.mp3




texto original