jueves, 29 de diciembre de 2011

Entrevista de Paola Senseve




Hay que destruir todo
Conversación entre Paola Senseve T.  y Alejandra Alarcón R.

La parte I de esta entrevista comenzó de manera formal. Le envié las siguientes preguntas a Alejandra por medio de inbox en el Facebook.

¿Qué tanto recuerdas de tu niñez?, ¿eres de esas personas que tienen vivos recuerdos de esa época?, ¿o tu memoria se ha ido construyendo de a poco?

Sí, creo que si tengo vivos recuerdos de esa época, pero también creo que la memoria es algo que se construye cada día, al final también es ficción, uno se reinventa cada vez al contarse, uno se ve a uno mismo de distintas formas en el tiempo, seguramente que a los 20 conté mi niñez de una forma diferente a como la cuento ahora. Lo que uno recuerda y como lo cuenta tiene que ver, creo, con como uno quiere verse, más que con como haya sido realmente. Y eso es algo que se actualiza cada vez.

    Cuando eras niña, ¿con qué jugabas? (según lo que recuerdes o lo que te hayan contado)

Jugaba con mi muñeca, era negrita, (mi mamá me compró una para que no sea racista), pero yo prefería jugar con las rubias, entonces cuando iba a las casas de mis amigas, aprovechaba de peinar largas cabelleras rubias. A mi hija negrita también la quería, porque era mi hija (la tenía que querer), pero no se la podía peinar, porque tenía cabello muy crespo. También tenía unos peluches, con esos no podía dormir, no me gustaba su piel peluda, pensaba que en la noche se podían volver lobos.  A parte de la negrita tenía otras muñecas (esas no tenían nombre a diferencia de la negrita que se llamaba Teresa), a las cuales prometía cada noche que iban a dormir conmigo “mañana”, y claro, cada noche me sentía muy culpable por no poder distribuir mi amor materno justamente y por mentir, porque sabía que no dormiría a con ellas nunca, solo con la negrita. Jugaba con las cosas típicas de los niños, cosas de cocinar (que me encantaba), con Playmovil, con Barbies a la que le hacía arreglos como cortarles el cabello o pintarles lunares (que les faltaban) y lo que más recuerdo es haber jugado mucho con mis hermanos…

¿Conservas algunos juguetes de tu infancia?  ¿Cuáles?

Creo que no, o sólo una muñeca que hice yo, lo demás se lo regale a mi hermanita.

 ¿Hiciste una muñeca?, ¿cuántos años tenías?, ¿cómo es la muñeca?
Sí, hice una como a los 8, y después otra más grande no me acuerdo a qué edad. La primera era de una tela de algodón (tokuyo), era pequeñita, como de unos 15 cm. Y la otra la que hice después era de una tela rosada, a esa mi mamá le bordó los ojos.
 ¿Crees que tu niñez, tus juegos, tus muñecas, lo que recuerdas y has construido; tienen que ver con tu arte y su temática?
Creo que sí y que no, pero en el sentido de que todo puede haber influido, no solo los juegos o muñecas, todo tiene que ver, no necesariamente la niñez. 
Muy personalmente. Cuando veo tus acuarelas te relaciono con la Lolita de Nabokov, una niña con un monstruo dentro y Lolita es una niña que está muy conciente de esa "maldad" de ese lado oscuro, pero no deja de jugar y de comportarse como niña. ¿Qué dices de eso?
Respeto tu lectura de Nabokov, como también la percepción que tienes de las acuarelas, pero no coincido contigo en ninguna. Hay una tendencia en el espectador de ver al artista personificado en su obra, pero no es del todo real, en mi obra hay un pensamiento respecto a un tema, una lectura entre tantas. Es una relectura de lo femenino, una deconstrucción de los cuentos infantiles. El cuerpo de una niña-adolescente, tiene un poder de seducción que ella misma, en un principio, no sabe como habitar. No creo que tenga “una maldad”, los cuentos infantiles tratan de normar este cuerpo que aun es más naturaleza que razón. Mi trabajo tiene que ver con esta moral, que muchas veces condena un habitar más natural, ctónico, dionisiaco, del cuerpo, en pro de una moral más domesticadora, civilizadora.

A lo largo de tu carrera artística, desde los comienzos, ¿qué conceptos, símbolos o temáticas no has abandonado? o ¿tus intereses y fijaciones artísticas han sido siempre diversas?
Creo que soy como pluri-monotemática, es lo mismo que vuelve de una y otra forma, pero alrededor de algunas cuantas temáticas que siempre son las mismas, depende por donde entre siempre termina como conectándose, o ampliándose, es como una gran red, que se interconecta. En la primera serie que trabajé Yocasta, Yo casta, yo castro, me interesaba trabajar sobre lo materno como un rol castrador, devorador pero a la vez nutricio. Después de estos trabajos inicié otra serie con niñas en su rol materno sin tener aún el cuerpo para ello; en estas piezas exploraba la maternidad como algo aprendido pero también como un cuerpo y una naturaleza en palpitación. Y ahí viene Caperucita la Más roja, donde comienzo a trabajar más seriamente con el imaginario colectivo de los cuentos infantiles. En la serie del Olor del Clan trabajé sobre las relaciones humanas y sus ritos de pertenecía, sobre la familia, sobre el destino que esta tiene para nosotros. En Amorte me interesaban las relaciones de pareja, la promesa de amor, como una condena, el amor sostenido a costa de partes muertas. Es a lo largo de todas las series (YocastaCaperucita la más rojaEl Olor del ClanAmorteCindirella Ending) que hubo siempre búsquedas que cruzaban todo; es decir: el cuerpo, la identidad, los fluidos, el otro, las relaciones de poder, la animalidad, la naturaleza, lo femenino, la violencia, las relaciones humanas, la maternidad, las relaciones de victima victimario, lo ctónico…

¿Te gusta provocar?
Mmm, no sé. Creo que no. Me gusta que algo pase. No sé si sea provocar la palabra, quizás me interesa más que se produzca un pensamiento, un sentimiento, una complicidad callada.

II

En esta parte II, hay un breaking point. Mis siguientes tres preguntas nos llevaron por otro camino; las preguntas y el tiempo que pasaba entre la formulación de estas y su correspondiente respuesta, a veces días después. Entonces, Alejandra, antes de contestarme, me escribió contándome sus inquietudes. De repente la entrevista dejó de ser entrevista y se convirtió en una conversación separada por los mismos intervalos de tiempo.

Paola querida, he escrito y borrado muchas veces estas últimas preguntas que me has mandado, mucho que decir, y a la vez muy polémico, al final he decidido poner algo muy sucinto. Esto es algo extra entre tú y yo, me da curiosidad: ¿por qué las preguntas? tú lees en mi obra alguna postura feminista, ¿cuál?, ¿por qué? (jaja, ya sé, no se vale que yo haga preguntas) pero es que de verdad, me da curiosidad, es un tema recurrente en las entrevistas. Siento que en mi trabajo podría haber, más bien, una postura que critica el feminismo de los 70s. .. Pero claro esa es mi percepción…

 Ale, ¿eres feministas?
Creo que no.

¿Por qué?

No me considero feminista. No me gusta encajonarme en ningún “ismo”. Simpatizo con algunas ideas que plantea el post feminismo.

 ¿Tu arte tiene algún compromiso?, ¿cuál?

Un compromiso conmigo.

Ale, voy a confesarte que sabía que ibas a tener un poco de conflictos con estas preguntas, por lo que vi en tu entrevista en el programa cultural El Escaparate; pero te explico por qué te las formulé. El tema de género, es mi interés principal este tema al hacer las entrevistas, a Rodrigo Bellott también se lo pregunté. No es mi intención hacer polémica, para nada, es comprender por qué "feminismo" es una palabra que crea rechazo; si es que sucede este fenómeno o no. Quiero saber cómo los artistas o las personas que generan conciencia crítica y conocimiento, perciben el feminismo y qué tanto les importa y qué tanto no les atañe la cuestión de género. Pero de ninguna manera mi intención es emitir algún juicio de valor sobre las respuestas de cada uno; es simplemente investigar.

Con respecto a tus preguntas, que por cierto me encantan y me gustaría ponerlas en la entrevista, si me das permiso, (en estas entrevistas se vale todo)...

Sí, leo tu obra desde el feminismo, pero ahí está el gran problema que planteo y es, básicamente lo que me interesa. Has hablado de tres feminismos: el feminismo de los 70, el feminismo digamos "general" y el post feminismo. Ahora, ¿de qué hablamos todos cuando hablamos de feminismo? Tú dices que criticas uno, pero que simpatizas con el otro. Quizá yo leo tu obra desde mi propio concepto de feminismo, y quizá si lo conversamos, estamos plenamente de acuerdo en nuestras acepciones. Ahora, tal vez sientes que no estás logrando tu intención, es por las mismas razones que yo te estoy haciendo esta entrevista. De todos modos, creo que para el arte, esto es secundario, que tú arte y mí literatura, digamos, no son feministas, simplemente son arte y literatura; y que lo que vaya a generar en quien consuma lo que producimos es otra cosa. En todo caso lo que me interesa es tu postura personal, por eso me encanta tu respuesta a la pregunta  – Por que no eres feminista.

Paola querida,  encontré algo que quiero compartirte: son citas de un texto que encontré en donde creo se aclaran temas que estamos tocando: te los copio y te paso también el link de la fuente,  (las siguientes citas son las que creo explican bien lo que también creo).

“El debate feminismo/postfeminismo, la crítica feminista a la pornografía, la reivindicación de una identidad fija o la aceptación de una identidad múltiple y ficcional, la sexualidad y lo transgenérico, el cyberfeminismo; han sido las cuestiones claves que han despertado una mayor polémica. En último término, el reto parece el de cómo abordar el feminismo en el horizonte supuestamente igualitario del siglo XXI.”
“En el foro se pone de manifiesto la polaridad esencial del debate actual: por una parte, desencanto con la rigidez del dogma feminista tradicional; por otra, reticencia a definir el feminismo como un movimiento en fase "post".”
“Cansancio del feminismo, o más bien del estereotipo de lo que significa ser feminista, pero al mismo tiempo temor ante la posibilidad de que el postfeminimo se entienda como el fin del feminismo, el punto muerto de la liberación y la igualdad."
“Pero también ven claro que el estereotipo de la feminista clásica es un corsé que la mujer de los noventa no quiere aceptar. Así por ejemplo, las mismas componentes del CAE continúan: "Se debe acabar con el mito de la "feminista", en la medida en que esta palabra refleja la lucha en un núcleo exclusivo de marginación. Y puesto que, además, no existe la "mujer" genérica, como una categoría universal".”
“Incluso las mismas Guerrilla Girls reconocen el postfeminismo como una manifestación positiva a favor de la pluralidad y la diversidad. "Bueno -afirman-, si piensas en el postfeminismo como en un pluralismo, entonces quizás estemos en un momento postfeminista porque, en efecto, existen muchas maneras de percibirlo". Es cierto que los términos no son la cuestión que más debe importarnos. Pero el esfuerzo de una generación por describirse a sí misma, por mostrar las diferencias respecto a otra anterior, es un indicativo de que una época siente que se han producido importantes modificaciones en la conciencia del "estar" mujer en el mundo actual. Negarse a aceptar las nuevas circunstancias puede no ser más que un estúpido prejuicio. Avancemos en algunos puntos polémicos y, para mí, reveladores de los cambios.”

“Creo que las artistas, las teóricas, y en general las mujeres contemporáneas, han elegido un camino en el que no se trata de invertir los roles, sino de reivindicar su capacidad de elección. Las artistas están actuando desmitificando, desajustando los valores establecidos para los géneros. Están haciendo herencia y memoria futura de su propia experiencia -construcción performativa de la "norma" diría Judith Butler- para disfrutar de la palabra por derecho propio, para dar rienda suelta a su propio placer.”


III
En esta parte III, que sigue siendo una conversación, se dilucidan algunas conclusiones.

Ale, he vuelto a leer el artículo que me pasaste y el último párrafo, me ha dejado un leve sabor de tristeza.
“La experimentación que podamos hacer desde la teoría y la práctica feminista sobre las transformaciones del género iluminará nuevas formas de estar en el mundo. Pero al final, será siempre una decisión nuestra, íntima de cada uno de nosotros, respecto a nosotros mismos y respecto a los otros/otras. La lucha más encarnizada, más amarga, de deseos y renuncias, será silenciosa.”
Ese último párrafo es la libertad. A eso me refería cuando te hablaba de los “ismos”. Es lo que pasa ahora con todos ellos, no solo con el feminismo.

Sí, sí, entiendo. Al  mismo tiempo, el texto reafirma el feminismo y  trata de eliminar, cambiar o aclarar el concepto; tal vez renovarlo.
Sí, es eso. El concepto hoy en día está en construcción, pienso yo. Intenta desafanarse de una carga ideológica que tuvo, por los hechos antes ocurridos.
 Deconstrucción.. HAY QUE DESTRUIR TODO.
Es por eso, también, el conflicto con tantas mujeres que no quieren ser feministas.
Ale, muchas gracias por tu tiempo y por esta linda conversación, que creo, es solo el comienzo de una gran destrucción.


la entrevista completa  aquí



Paola R. Senseve Tejada nació en marzo de 1987 en Cochabamba, Bolivia. Vive en Santa Cruz de la Sierra hace más de 20 años. Es egresada de la carrera de Psicología en la UPSA. Tiene dos libros publicados: 
Vaginario, ganador del II Premio nacional de escritores nóveles de la Cámara del libro y Petrobrás (2008); y Soy dios, ganador del Premio nacional de literatura Santa Cruz de la Sierra en la categoría de poesía (2011).   

martes, 1 de noviembre de 2011

CINDIRELLA ENDING Rio de Janeiro Brasil



Cindirella Ending


Niteroi, Rio de Janeiro Brasil
 Noviembre  2011
 Museo Solar do Jambeiro

O Centro Cultural Simón I. Patiño de Santa Cruz de La Sierra, na Bolívia, trará para o Niterói Encontro com a América do Sul a exposição Cindirella Ending, da artista Alejandra Alarcón, que retrata através de aquarelas fortes o imaginário de alguns contos de fadas.






     Cada acción y toda justificación artística promueve una mutación de términos que se ajustan a un imaginario. Bajo los conceptos freudianos y lacanianos, el imaginario o dimensión no-lingüística de la psique, deja signos perceptuales que conforman un espacio psíquico compuesto de imágenes provenientes de todos los sentidos y movimientos del otro. Es en esta atmosfera donde Cindirella Ending construye el carácter ficcional de sus obras que sucumben ante una colorida realidad que contextualiza su narración.

     Los hechos imaginarios presentan, en esta exposición, múltiples apreciaciones de las formas, sonidos y colores con los cuales se construye un relato. Sin embargo, el marco en el que se movilizan los sucesos multiplica paradojalmente la performance de sus personajes. Es así como vemos a éstos protagonistas mostrar sangre, sexualidad, codicia e inocencia, componentes que incrementan nuestros signos perceptuales.

    

Cindirella Ending  (parte de la trilogía)

     Un par de personajes construyen un cuento perfecto, pero más de una docena, configuran una novela que se apodera de los espacios camuflando el quehacer del artista. Son fotos, acuarelas, videos y objetos que entregan vida a las personajes. Entonces quienes observamos estas obras admitimos, a cada instante, un suspicaz clímax, pero en ellas no conoceremos un final.

     El verso centrípeto de Alejandra Alarcón y su Cindirella Ending converge ante la acción de un relato que parece cuento y novela al unísono.



martes, 4 de octubre de 2011

Dime que me quieres aunque sea verdad.



Galeria Sicart
Barcelona España




Inauguración, sábado 8 de Octubre a las 13 horas..
Del 8 de Octubre al 13 de Noviembre de 2011.




Dime que me quieres aunque sea verdad


Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Karlo André Ibarra, Lluis Barba, Cristina Calderón & José Luis Paulete, Nicola Costantino, Marta Espinach, Elena García Jiménez, Ivana Larrosa, Sofía López Mañán, Fernando Navarro Vejo, Lidó Rico, Paula Toto Blake, Santiago Ydáñez.


texto: Carolina Castro J.
Que me quieras implica también que me aceptes como soy, que quieras pasar tiempo conmigo, que queramos pasar tiempo  juntos. Querernos implica la necesidad de compartir el uno con el otro en un espacio y un tiempo que a veces se vuelve infinito. Cuando te digo que te quiero, espero que me digas que me quieres también, cuando te pido que me digas que me quieres, es que tengo miedo de decírtelo yo y que tú no me quieras igual. Un Te quiero es una expresión que sólo tiene sentido en el momento que la pronunciamos y que trasmite una situación límite; Aquella en que el sujeto está suspendido en una relación especular con el otro. 
Para que el sentimiento de amor exista en mí, es indispensable que haya otro. Si no hay otro con el quien yo pueda expresar mi querer, entonces no existe  sentimiento alguno. El diálogo de afectos,  el lenguaje de la verdad, el Te quiero, queda mudo, se anula, desaparece entre el mapa de mis sentimientos, embargándome en mis miedos y mis sueños no conseguidos. En la ausencia del otro,  en su silencio, me veo impedido de sentir, y sin sentimientos no soy nadie, me vuelvo invisible.

Así como para el enamorado es indispensable la presencia del otro, del ser amado, las obras de arte requieren también de otro, el espectador, para trasmitir su mensaje.  A modo de autocrítica y frente a la imposibilidad de comunicar a sus espectadores la intención de sus obras, la razón de su existencia, la Galeria Sicart presenta una exposición colectiva en que las obras yacen amontonadas en una esquina de la sala. Como el enamorado se arrincona ante la negación de amor del otro, las obras de estos quince artistas se arruman en reclamo de la atención y el querer de los visitantes ausentes de la galería. Esas obras piden a gritos un Te quiero para poder existir, pues si nadie las ve, si nadie las mira, es como si no estuvieran allí.

Sentir que el otro, espectador o ser amado, me necesita es la razón por la que existo, es lo que me hace como sujeto y como obra de arte ser verdad. Una verdad íntima que se comparte, una verdad personal que se vuelve colectiva, una verdad relativa que se vuelve absoluta en presencia del otro.

En la presente exposición las obras, aunque ausentes, contienen diferentes historias en las que los artistas diagraman sus relaciones afectivas. La complejidad de las relaciones humanas se va cartografiando por diferentes áreas que van desde el subjetivismo de los sentimientos íntimos, pasando por los afectos familiares y hasta los sentimientos que construyen nuestra identidad dentro de la sociedad en que vivimos.



“Narcisa” es un autorretrato de Nicola Costantino que forma parte del conjunto de reinterpretaciones de otras obras en que ella siempre ocupa el lugar del otro y el de ella misma, narrando específicamente a través del mito de Narciso el egoísmo del amor propio. En contraposición encontramos la obra de Lidó Rico, en que el cuerpo, más que un objeto de deseo es un instrumento y una prisión, sus esculturas muestran el reconocimiento de nuestras propias limitaciones autoimpuestas como punto de partida en la búsqueda entrañable de una sorpresa, de algo inesperado que de sentido a nuestra existencia. En la acuarela que presenta Alejandra Alarcón “Amorte” el afecto, el querer es depositado en los hijos como proyección del amor. En la imagen ocurre un acto de antropofagia paternal, el niño está siendo devorado por su padre. La familia cobra un rol protagónico cuando hablamos de afectos, los hijos son el símbolo del amor incondicional que supera cualquier otra brecha en el terreno de los sentimientos. Marta Espinach ha creado unas maquetas donde se muestra la relación entre padres e hijos en la etapa en que los cuentos infantiles se vuelven protagonistas del día a día. Por medio de dos casas completamente empalizadas la artista da señas de elementos como protección, contención, espacio íntimo y cuidados que son indispensables en el círculo familiar. En el mismo lugar de la relación con los hijos están los dibujos de Cristina Calderón y José Luis Paulete un niño, su hijo, que intenta subirse sobre la mesa con ayuda de una silla y hasta que se sube solo. Un proceso de aprendizaje de cual sus padres se sienten orgullosos y que muestra, nuevamente, la incondicionalidad de ese amor fraternal.



Pasando al territorio de las relaciones de nuestros propios sentimientos frente al mundo que nos rodea está la obra de Ivana Larrosa “Ausencia”, fotografías que relatan, a través del poema de Borges, la necesidad de protección. En las imágenes la artista borra la imagen del otro haciendo aun más notoria su falta,   pero conserva un elemento, la mano protectora, la que cuida ese espacio familiar, la que la cuida a ella y la hace sentir segura. Con la misma propuesta pero expresada a través del formato pictórico, Santiago Ydañez, hace también referencia a la protección. En la imagen hay un bebé que es acariciado por alguien en la cabeza, pero de ese alguien solo vemos su mano. Podría ser que esa mano simbolice, como en las fotos de Larrosa, al que ya no está, pero en cuyo recuerdo nos apoyamos para seguir adelante.
El decir te quiero está casi siempre relacionado a un espacio privado y de mucha reserva, pero como seres humanos nos enfrentamos a un mundo que nos bombardea de mensajes de guerra, desamor, dolor, vacío, etc. Reaccionamos frente a estos de diferentes maneras, siempre buscando un lugar afectivo desde donde sacar las fuerzas. En las fotografías deSofía López Mañán hay una búsqueda que muestra la dificultad de enfrentarse, en espacios ajenos y cotidianos, a la ausencia del ser amado. Un cuerpo que se sitúa como protagonista en medio de plazas, edificios, etc. buscando transformarlos en espacios de ensoñación, memoria y aproximación.
Aún más fuera del espacio íntimo y ya abandonando por completo el cuerpo,  Fernando Navarro Vejo crea la palabra “CREE” escrita con PVC. La palabra pasa a ser una sentencia abrumadora. Una declaración personal donde él es el que cree y nos invita a nosotros a creer también. Una enunciación precisa y que mantiene su significado abierto a toda interpretación, poniéndonos en el abismo de nuestras creencias, cuestionando la capacidad de creer en nosotros mismos y en otros. También en el terreno de las propias dudas y las certezas, Paula Toto Blake desestabiliza el mundo conocido a través de estas “Mascotas” con apariencia extraña, que generan un sentimiento de desprecio, repulsión y distancia hacia esa figura que habitualmente tenemos por familiar.



El mundo conocido y lo que nos queda por descubrir. Los padres y las personas mayores han jugado siempre un rol fundamental en la formación de las nuevas generaciones, aunque esa figura ha sido desplazada en cierta medida por las nuevas tecnologías. Arturo Aguiar nos presenta “El mundo”, una fotografía que hace referencia al aprendizaje, en que una mujer mayor le muestra el mundo a través de un globo terráqueo a una mujer más joven. Elena García Jimenez, reflexiona también sobre el aprendizaje mediante un objeto de conocimiento. Invierte el papel del diccionario haciendo que pase de ser una fuente de referencia de conocimiento y respuestas, a una fuente de cuestionamientos e incertidumbre. La dislocación de sus textos y la descontextualización de los términos gramaticales que encabezan las dos páginas de este libro objeto, anulan su función.
El contenido político no queda fuera de las cuestiones que atañen a los afectos. El “Mapa de Carne” de Karlo André Ibarra indaga en la profundidad de su identidad Puertorriqueña cuestionando la ubicuidad territorial de su país perteneciente a las dos américas, el continente Americano y el territorio de Estados Unidos. Lo privado se vuelve un asunto político, reclamando el derecho de pertenencia que también reclama el enamorado, sentirse querido, sentirse parte de un territorio o de la vida de otro. En la obra de Luis Barba ese otro es el desfavorecido, la pobreza frente a la ostentosidad y el glamour de los ricos. “Viajeros en el tiempo” traduce las relaciones y necesidades afectivas al terreno político haciendo una crítica al sistema y abogando en defensa de las clases sociales más necesitadas.

Dime que me quieres aunque sea verdad busca recorrer el complejo mapa de las relaciones afectivas pasando por los territorios más inverosímiles, desde lo profundo de nuestros sentimientos individuales y nuestros conflictos existenciales hasta los asuntos políticos cotidianos que afectan a nuestro entorno. Esta exposición abre un ciclo, después de once años de actividad, en que la Galeria Sicart necesita hacerse algunas preguntas. El espacio con sus paredes en blanco demuestra la devaluación de una tradición que fuera también una necesidad, la de tener artistas, obras, un mercado, un público y afectos que dieran valor, que hicieran verdad su presencia en la ciudad y en el mundo.


GALERIA SICART
Barcelona España


miércoles, 14 de septiembre de 2011

Pantocrátor gallery / Shanghai

Women's lines

2nd-30th september. Opening friday 2nd at 18 h

Lore Vanelslande

Lore Vanelslande (Belgium - China)

Sonia Carballo "Socatoba" (Spain)

Carmen Garcia Huerta (Spain)

Stephanie Costello (New York)

Patsy McArthur (Scotland)

Freya Douglas-Morris (UK)

Marta Blasco (Spain)

Alejandra Alarcón (Bolivia)


Alejandra Alarcòn

 Sonia Carballo ‘Socatoba’

 Carmen Garcia Huerta

Stephanie Costello

Pristine, delicate, silky soft, are the fingers of the women hands when caresses the skin of paper, ready to be drawn. Hands that draws their expressions, to fallow their paths of senses to let them be manifested on the texture of feelings, moments, dimensions, spaces, or just characters, hidden to be shown, called to give, created to live, now breathing in this special draws exhibitions.

This is "Women's Lines" the given name of the first Pantocrator's Gallery show in Shanghai, presenting eight women art works from different hemispheres of the world in a conjunction of talents, spread it on a cosmos of draws that let us feel the unpredictable, very unique sensations inside this eight women's hearts and lives from China, Colombia, Bolivia, Belgium, Scotland, Spain, USA and UK.

The recognition of this eight talented emerging artists, that Pantocrator Gallery just bring to Shanghai, give us an interesting variety of drawing techniques form the very tenderness and also the deep strength of this women that invites us to discover them, in a universe of lines, dots, ink spots, scratches and smudges in this sensational "Women's Lines" show.


lunes, 22 de agosto de 2011

Proyecciones del cuerpo femenino.


  Centro de Arte Contemporáneo 

 Quito Ecuador



6 de agosto




Artistas Participantes:

Alejandra Alarcón
Colectivo La Dupla (Paulina León y Dolores Ortíz)
Gabriela Santander
Jenny Jaramillo
Karina Cortez
Lorena Serrano
María José Machado
María del Cármen Oleas
Natascha de Cortillas
Saskia Calderón
Valeria Andrade
Vanessa Padilla
Veronica Meloni
Karla Torres
Cristina Díaz

ECUADOR, ARGENTINA, BOLIVIA Y CHILE

Curaduría: Eduardo Carrera





En la historia del arte, el imaginario del cuerpo femenino ha sido tradicionalmente atravesado por la mirada masculina, que ha ubicado a la mujer en el papel de la musa y del sujeto inspirador, ya sea como una figura materna o como el objeto del deseo.

En el arte contemporáneo, la presencia de la mirada femenina activó la discusión sobre el lugar del cuerpo e identidad, en la escena de la representación artística, incorporando l...o cotidiano, lo terrenal y el espacio íntimo y personal, como recursos y formas de fragmentar, más aún, la división existente entre lo tocable e intocable de una imagen o un objeto. Es así que el termino “mujer” se expande para dar como resultado una multiplicidad de identidades que han dejado de ser categorías inmutables, para transformarse en construcciones.

En la Muestra “Proyecciones del Cuerpo Femenino”, podremos imaginar las particularidades de un ejército de artistas mujeres que, durante sus procesos creativos, han decidido utlizar sus cuerpos, sus identidades, sus deseos y nostalgias, como soporte para su producción. De esta forma, el objeto artístico deja de ser el objetivo del arte, hecho que se traduce en ventaja y recurso de innovación, para proponer una nueva representación del ser humano.

Las historias y conceptos que sustentan cada una de las piezas seleccionadas, ubican a través del video, un momento en el que lo femenino da lugar a la desestablización entre sujeto, identidad y poder, en una sociedad donde el cuerpo se ve sometido a comportamientos disciplinados, los cuales recurrren a técnicas y procedimientos para formar individuos.

La muestra de video-performance se exhibirá en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito, el sábado 6 de agosto de 2011, a las 19h00.



Prensa : Noticias Quito
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